LA MANZANA

Sib (1998)
Dir.: Samira Makhmalbaf
Irán
elink (iraní)
subtítulos (inglés)


Cuando hablas de cine iraní, casi todo el mundo piensa que es para tirarte el rollo y dártelas de intelectual, que esas pelis son un puto coñazo para pedantes. Y yo no voy a negar que a veces se pasen de autocomplacientes, pero sólo a veces. Porque en general no son complicados experimentos comprensibles sólo para quien tenga masters en teoría cinematográfica; de hecho, suelen ser historias sencillas, que sólo exigen una mente abierta para otra forma de contarlas diferente a la que estamos acostumbrado. Y, si a uno le sale bien y consigue entrar, encontrará pelis muy humanas, y hasta humanistas, tremendamente libres, con una autenticidad casi completamente perdida en el resto de cinematografías mundiales. Además, suelen proponer fascinantes juegos y reflexiones sobre la ficción y la realidad, o el cine y la realidad. "La manzana" es un ejemplo de todo esto, quizá el mejor, relativamente accesible para quien quiera darle la oportunidad a una forma diferente de entender el cine, que no busque tanto un argumento y una estructura occidental, sino retratos y situaciones de personas y personajes.


"La manzana" está, como tantas otras pelis iraníes, a medio camino entre el documental y la ficción. La historia real es que dos hermanas de 11 años no salieron de su casa hasta esa edad, cuando la presión vecinal lo consiguió. Su padre, clavadito al señor Barragán, es un pobre diablo que vive de lo que le dan los demás a cambio de rezos, su madre una ciega. Ellas dos se han quedado medio lelas y, con la ayuda de una asistente social, consiguen poco a poco salir a la calle, al mundo y hasta hacer amigos. Samira, la directora, leyó esta historia y, con sólo 18 años y unos rollos de película que le habían sobrado a una peli de su padre, se fue a su casa y rodó esto en 11 días. Convirtiendo a las personas en personajes, les hace representar situaciones que son su día a día. Y todo esto que podría parecer sobre el papel un dramón, en realidad es una bonita historia llena de aventuras, tan tierna que le tiene siempre con un nudo en la garganta y la lagrimica a punto de salir.

El título viene por el gusto de las hermanas por las manzanas, y está usado con su significado metafórico tradicional, el de lo que se persigue y se desea, vaya. Los subtítulos ponen el único pero, por esa absurda manía de traducir siempre "Alá" como "Dios", que podemos ver también en cualquier medio de comunicación. Sin prisas, seguimos los intentos de la asistente social para ayudar a las niñas, las justificaciones del padre por haberlas mantenido encerradas toda su vida, con argumentos sacados de un viejo libro escolar. A pesar de ser un país tan represor con las mujeres, aquí las vemos moverse con cierta libertad. La persona/personaje que se lleva la peor parte es la madre, envuelta en una sábana que ni siquiera tiene orificios en la cara porque no los necesita (es ciega), y que aparece como un fantasma siniestro, patético y hasta cruel. Por contra, las niñas, aunque muy idas de la chola, tienen un futuro por delante. Las mejores partes de la peli son sus divertidísimas aventuras cuando salen solas a la calle para hacer amigos, con un sentido del humor que a más de uno sorprendería. Los niños que se van encontrando, entre cabritos y bondadosos, demuestran que las personas son las mismas en lo esencial en todo el mundo, por muy condicionadas que estén por la sociedad. Una experiencia preciosa y llena de comprensión por sus personajes/personas, con un apabullante talento innato de la directora que, con ayuda de su padre (co-guionista y montador), consigue algunas imágenes de una poesía inmensa. Como la que abre "La manzana": vemos un brazo regando una maceta, y el agua apenas llega porque la chica está aprisionada por unos barrotes.

Mis Terrores Favoritos (V): LA NOVIA DEL DIABLO

(esto es una mudanza con pequeños cambios de un post que ya puse en el antiguo blog)

The Devil Rides Out (1968)
Dir.: Terence Fisher
Gran Bretaña
elink (inglés)
subtítulos (castellano)


El subgénero satánico y cultista es una de las especializaciones del horror que más número de alegrías y escalofríos nos da por metro cuadrado. Si además está hecho con todo el gotiquismo infalible de la Hammer, no puede salir sino una maravilla. Los nombres principales: Terence Fisher, Christopher Lee y... ¡Richard Matheson! Un hombre que siento que no está suficientemente reivindicado, y que es el mejor autor/guionista de terror palomitero que ha existido jamás. Aquí adapta una novela ajena (de Dennis Whitley) que parece que es bastante famosa, pero su sello está presente. Porque "The Devil Rides Out" es, de principio a fin, un apasionante recorrido por las mil y una tretas de Satán para salirse con la suya, una impresionante sucesión de climax de horror. ¿Desarrollo del argumento? ¿Para qué? Esto es la versión del dicho musical "no nos aburráis, dadnos el estribillo". Nada más empezar, los protas llegan a un encuentro de una sociedad astronómica. "Vaya, yo ya sé que eso es un círculo satánico, en fin, esperaremos media hora hasta que se decidan a desenmascararlo abiertamente como en las demás pelis de la Hammer". Aún no has terminado de pensar eso, y ya hay un enfrentamiento con una entidad demoníaca. Y así, una y otra vez. Un constante salir de la sartén para caer en las brasas, una huida del Bien perseguido sin tregua por el Mal. Qué virtuosismo del género de los tres grandes nombres de más arriba. Qué uso tan inteligente de la iconografía del Oscuro. Todo un festival de tensión diabólica, acción terrorífica y la inescapable presencia del Mal. ¡Y terror! Porque la peli, sin que sirva de precedente, da miedo. A mí, mucho. No quiero dar más detalles porque, entre rituales, control mental o entes infernales, hay todo un catálogo de las argucias de Belcebú. Al menos la larguísima secuencia de la resistencia en el círculo de protección (en la imagen), homenajeada en "El día de la bestia", tendría que figurar en cualquier best of del género.


¿Es perfecta? Alguna cosita hay, ¿no? Bueno, quizá algunos de los secundarios sobreactúan demasiado, como el líder del círculo satánico, que no tiene tanto carisma como debiera; o que el desarrollo de algunos personajes no es muy creíble. Pero no importa, porque una vez se ha entrado en la vorágine de magia negra, no se puede salir. Odio el término, pero me gusta ser justo con él cuando hay que serlo; y "The Devil Rides Out" merece ser llamada una obra maestra del cine de terror.

El cine atmosférico y EYES OF FIRE

Eyes Of Fire (1983)
Dir.: Avery Crounse
USA
elink (en inglés, VHSRip pero de calidad aceptable, casi sin fuentes por lo que puede tardar semanas)


De entre las muchas cosas que pueden convertir a una película en fascinante, una de las mejores es la atmósfera. Las pelis con atmósfera tienen una magia especial que es imposible de explicar racionalmente; puedes pensar que es el conjunto de la fotografía, de la ambientación/escenario, de una historia extraña, de un ritmo lento. Pero el espectador y el director comparten la experiencia de la atmósfera como algo incomprensible, que les viene dado. Es como si el director recibiera un místico rayo de luz rosa directo a su cabeza con instrucciones para poner la magia en imágenes y sonidos en un estado de duermevela febril, con una lógica onírica. Muy a menudo con razón, nos parece que las pelis de atmósfera son un rollo; el problema es que para disfrutarlas hay que estar suficientemente abstraído de la realidad, cosa complicada cuando no se está en un cine. Pero las verdaderas buenas películas de atmósfera arrastran dentro de ellas, a poco que uno tenga disposición de ser arrastrado; tienen la poderosa habilidad de suspender la incredulidad.


"Eyes of fire" puede ser modelo de película atmosférica y mágica, además metida en un subgénero en el que es casi imposible hacer una peli mala como es la dark fantasy. Antepasado de "El bosque" de Shyamalan que atraviesa por Algernon Blackwood, sucede en la América del siglo XVIII. Un hombre es acusado de adulterio y poligamia y, con la ayuda de su familia y una especie de Dríada pelirroja que crea una burbuja protectora en su balsa, consigue escapar de su ejecución. En la huida se les unen otros renegados, y juntos inician un nuevo asentamiento en un remoto bosque perdido. Será difícil pero no pinta mal. El problema es que no contaban con que era un lugar maldito, hogar de brujería natural y criaturas de un mundo oscuro. Mientras van creando el nuevo hogar y sufren los ataques del bosque, la Dríada está en batalla constante contra las maldiciones.


Todo eso pasa en un valle cerrado, pesadillesco y primordial, oculto por la oscuridad y los árboles centenarios, dominado por la naturaleza y en el que los ríos marcan los límites del mundo real, donde lo único que es real y tiene sentido son las ancestrales creencias de los indios. El director es un fotógrafo y se nota en su uso del color, básicamente unos fuertes azules, y en que preferencia los encuadres al montaje, aprovechando con imaginación y filtros las carencias del presupuesto. Los árboles tienen rostros que someten a los pioneros a una constante vigilancia, y un ser monstruoso ataca y se lleva a alguien de vez en cuando, ayudado por su pequeña tropa de hombrecillos desnudos que por momentos parece una secta pre-hippy. Leah, la extraña hada pelirroja, no cesa en su intento de acabar con el Mal que asola la esperanza de los pioneros, acabando todo en una psicodélica refriega que enfrentará a todos los bandos, y que Crounse probablemente dirigió bajo los efectos del LSD que habría en la savia de la vegetación del lugar. Imperfecta, olvidada y única, aquí hay tanto subconsciente colectivo de la nación dominadora del mundo como cariño por viejas leyendas irlandesas.

Descendents: MILO GOES TO COLLEGE (1982)

(mientras se lee se puede bajar "Suburban home" en mp3 aquí)


¿Qué puede pasar en poco más de 22 minutos? ¿Qué se puede hacer? ¿Ver un capítulo de una sitcom? ¿De una serie de dibujos? La mejor elección es escuchar el "Milo goes to college" de los Descendents. Y mejor aún es escucharlo una y otra vez.

Es la Biblia particular de todo el punk californiano que ha ido saliendo desde 1982, con mejores canciones que cualquier grupo que lo haya imitado, con más actitud y con mucha más diversión. Son 15 perfectos temas, pegadizos, hechos con espíritu de punk de clase media en el buen sentido, que hablan de preocupaciones juveniles y de chicas. Como unos Undertones cabreados o unos Stiff Little Fingers con mala hostia, todos los momentos son perfectos y pegadizos: la inicial "Myage" (con un riff de bajo que es una declaración de intenciones y posiblemente el mejor comienzo de un disco punk); la reivindicación del guarrismo de "I'm not a loser" o "I'm not a punk" (aquí están las armonías vocales que luego tomarían NOFX y compañía); teenage angst contra la sobreprotección paterna en "Parents"; la directa crítica a la vida prefabricada de la imparable "Suburban home" (I want to be masochistic / I want to be a statistic / I want to be a clone); el pop menos escondido en "Hope" o "Bikeage"; la chica especial de "Kabuki girl". Y sobre todo el momento final que tendría que haber definido el dichoso emo: "Jean is dead", un minuto y medio de impotencia ante la pérdida de alguien querido, con toda la caña y la melodía de las anteriores.

El secreto está, por ejemplo, en la voz de Milo Auckerman, uno de los mejores cantantes que ha habido en el punk, capaz de llenar cada palabra a la vez de odio, emoción, diversión y ganas de montarla. Y tanto bajo como guitarra o batería, suenan urgentes y directos, que hacen que la escucha sea fácil y pegadiza, se puede uno poner seguido el disco una y otra vez, se puede saltar y gritar por la habitación o animar cualquier fiesta, o montar un pogo brutal. Mundo postadolescente con espíritu adolescente.

Contra el término "gafapasta" (con retórica de autoayuda)

¿Por qué se detesta el término friki pero se usa el de gafapasta? ¿Por qué es tan malo considerar a alguien gafapasta? Primero, ¿qué se entiende por gafapasta? Además de una palabra horrible, se supone que es alguien que disfruta con el cine de autor, que es pedante y pretencioso y con cierto complejo de superioridad, que se empeña en buscar significados trascendentes en, principalmente, el cine. ¿Y por qué es esto tan horrible? Por ese complejo de superioridad, que da bastante asco; esa gente existe, claro. Y no voy a defender aquí a quien sólo tiene esa actitud hacia las cosas.

Pero al despreciar a alguien como gafapasta, se desprecia también una forma de ver las cosas. Hay una especie de miedo y odio a la seriedad, un afán de quedarse siempre en la superficie de todo y en la frivolidad. El problema no está en la frivolidad, sino en el siempre. Porque la diversión y el disfrute de las cosas como vienen es una de las mejores formas de entender la vida; el problema es cuando es la única, cuando implica que uno no puede ser serio. Y la superficialidad permanente puede llevar un problema de vacuidad; yo pasé por eso en mis últimos años de adolescente, sentía que nada tenía una base ni un sentido, que todo se podía derrumbar, porque me era imposible tomar nada en serio. No hay que olvidar que las ideas, el arte, la humanidad (perdón por el tremendismo) han avanzado cuando alguien ha pensado y ha decidido profundizar en algo.

Entonces, lo malo del gafapastismo es que quien cree en ese término tiene prejuicios y cierra horizontes. Y por eso las etiquetas son tan peligrosas: son formas arbitrarias de limitarnos a campos en los que sabemos que nos podemos manejar, que nos impiden intentar cosas nuevas o disfrutar con algo diferente o de forma diferente. Desde este blog es evidente que yo abogo por un eclecticismo radical: puedo hablar igual de una peli de exploitation, del cine de autor más personal, o del mainstream más garrulo. O de música punk, pop inocente, electrónica, metal, cualquier cosa. Todo se puede disfrutar en su momento, sin más distinción que saber lo que pretende cada forma de expresión, ya sea provocar ideas, ponerla dura o divertirse como un niño. La clave para un disfrute completo está en mezclarlo un poco todo, sin considerar a una cosa mejor que la otra.

Ya sé que exagero un poco, y que normalmente se usa lo de gafapasta o friki con sano cachondeo, pero eso no evita los prejuicios que causan y el efecto que tienen en la forma de ver y entender el mundo. Que no hay que inventarse fronteras, joder, que hay que ser más inclusivo que exclusivo, que hay que darle a todo para convertirse en una persona completa.

Blogger mis cojones

La pesadilla de bitacoras se repite aquí, supongo que tengo un gafe con el html o algo parecido. Al final me entregaré a escribir textos en el notepad de Windows y subirlos en .txt a algún sitio, y así me ahorro problemas... El blog ha estado dos días convertido en una sopa rancia de letras y números, aunque parece que ya la he conseguido arreglar un poco (con la ayuda de tnarik de biZácoras). De todas formas, he perdido los cambios que había hecho en la plantilla, que se limitaban a la lista de enlaces y un par de cosas así; cuando haya un rato lo actualizaré.

Como supongo que nadie lo pudo leer ayer (salvo que fuera por atom.xml), publiqué la segunda, y puede que más polémica, parte de las pelis de culto de la década en que vivimos. La podeis ver más abajo, o directamente aquí. Confío en que se haga alguna aportación para que la lista no quede tan parcial...

Y bueno, para que no sea una entrada del todo baldía, os recomiendo el trailer de "The Woods", segunda peli de Lucky McKee, el director de "May". También ha dirigido un capítulo de "Masters of horror" que no he visto (¿qué tal es? ¿da esperanzas?), y supongo que con esta peli confirmará o desmentirá si es una promesa de verdad y un tipo con personalidad, o tuvo suerte en su primera. "The woods" es una historia de terror en un internado femenino de los años 50, con presencias malignas y tal, y Bruce Campbell. Siendo de quien es, confiemos en que no sea demasiado tópica. El trailer, aquí.

20 pelis de culto para lo que llevamos de década (y II)

(viene de aquí)
(el orden no es jerárquico de menos buena a más buena, sino más o menos alfabético)

Moulin Rouge! (Australia, Baz Luhrmann, 2001)
Musical esquizofrénico, desvergonzado y hortera, con una simpleza romántica y trágica de folletín que encaja con el despliegue de color, sonido y pasión que hay en pantalla. Como ir a un karaoke puesto de farlopa y acompañado de quien más quieres. Para cantar y bailar todos juntos con los pelos de punta y una inmensa sonrisa, puro espectáculo descontrolado por el bien de la diversión más pura. Más que de culto, de fenómeno fan.


In My Skin (Dans Ma Peau - Francia, Marina De Van, 2002)
Más que una película, casi una performance de Marina De Van. Un retrato de un personaje extraño y extremo, que encuentra la salida en la automutilación y el autocanibalismo. Muy difícil de ver y más de digerir, una patada en la boca del estómago con todas sus consecuencias.


Northfork (USA, Michael Polish, 2003)
Un pueblo de los años 50 va a ser trasladado por la construcción de una presa, y vivimos con él sus últimos días. Por él se pasean James Woods, Nick Nolte o una Daryl Hannah literalmente de otro mundo. Una atmósfera de misterio en la que conviven chupatintas de tebeo con ángeles y otros seres fantásticos, en una fascinante (y algo incomprensible) peli que debe tanto al Lynch de "Twin Peaks" como al Wenders de "El cielo sobre Berlín".


El Nuevo Mundo (The New World - USA, Terrence Malick, 2005)
No puedo ocultar que ésta es mi favorita. Por donde ha pasado ha despertado incomprensión y hasta hostilidad, culpa tanto de la mentirosa campaña publicitaria como del lenguaje visionario de Malick, adelantado a su tiempo. Una narrativa innovadora, construida a retazos y como desde la memoria, en la que la historia no importa, en beneficio de la poesía visual y las sensaciones más celestiales que uno pueda concebir. Apología de la belleza, del amor, de la naturaleza, de la libertad, activismo artístico contra el cinismo del mundo moderno. Sus seguidores han (hemos) formado tal culto obsesivo que de puro fanático casi parece una religión, inevitable ante la felicidad y el síndrome de Stendhal que produce "El nuevo mundo", y que desea que todo el mundo pueda disfrutarla igual. Una de las mejores películas de todos los tiempos.


Primer (USA, Shane Carruth, 2004)
"Primer" es un juego que se sabe más listo que el espectador. Le propone un jeroglífico de líneas temporales lleno de imaginación y coherencia, imposible de descifrar por completo en un solo visionado, que obliga a verla una y otra vez. Y que se va descubriendo perfecto como el mecanismo de un reloj.


Punch-Drunk Love (USA, Paul Thomas Anderson, 2002)
La prueba que faltaba para demostrar que P.T. Anderson es el mejor director americano surgido en los últimos 15 años. Después de la complicadísima "Magnolia", en lugar de un más difícil todavía, hizo una comedia romántica. Extravagante y muy tierna, un microcosmos precioso que obliga a creer en el amor, por muy freak que éste sea.


El Sabor De La Sandía (Tian Bian Yi Duo Yun - Taiwan, Tsai Ming-Liang, 2005)
Otra peli que vació las salas por culpa de un marketing farsante. Tsai Ming-Liang es un autor con todas las letras, tan personal como insobornablemente sincero. Y a pesar de hacer un cine radical, se aleja de la pedantería. Todas sus películas son iguales: hablan de la incomunicación en el mundo moderno, de la soledad, con larguísimos planos estáticos en los que parece no suceder nada. Con humor raro y personajes tragicómicos. No hay que buscar un argumento, hay que dejarse llevar por su estilo; reflexionar con lo que sugiere o sólo disfrutar a nivel estético. De entre las suyas, ésta en particular es la que tiene más números para convertirse en peli de culto, por su mayor difusión y por su uso bizarro del musical y el sexo.


Suicide Club (Jisaatsu Saakuru - Japón, Shion Sono, 2002)
Una de las cumbres del mal rollo, que empieza con la ya célebre escena de decenas de colegialas japonesas saltando juntas a las vías del metro, provocando un río de sangre y vísceras. Y que sigue con una orgía de momentos retorcidos y salvajes, con un fondo de sátira social. Sangrienta, desagradable, surrealista, incomprensible, desasosegante y arriesgada.


Tiptoes (USA, Matthew Bright, 2003)
Matthew Bright ("Freeway" 1 y 2) sigue siendo el secreto mejor guardado del cine subversivo americano. "Tiptoes" es una película de enanos. Patricia Arquette se lo monta con un enano motero. Matthew McConaughey es el único de estatura normal de una familia de enanos, cuyo patriarca es el enano de "Twin Peaks". Y lo mejor de todo es que, aparte de todo el espíritu políticamente incorrecto, las excentridades y tocadas de pelotas, es una película sincera y entrañable, que convence como ninguna otra de que la gente diferente también son personas.


Visitor Q (Bizita Q - Japón, Takashi Miike, 2001)
Miike saca aquí como nunca toda la mierda que habita en el subconsciente colectivo y nos la pone en la cara, sin miramientos. Como el Pasolini de "Teorema" pero mucho más directo y comprensible y, por eso mismo, con mucho más impacto. Un catálogo de perversiones que remueven la conciencia porque, de alguna forma, literal o alegórica, se saben ciertas.


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La selección es obviamente injusta, personal y hasta un poco aleatoria. Para contrarrestar esto... ¿cuáles son las vuestras?

20 pelis de culto para lo que llevamos de década (I)

¿Qué es una película de culto? Cada uno con su definición. Para mí, ese término tan viciado ya de peli de culto significa una película especial, que no se parece demasiado a ninguna otra. Que probablemente genera opiniones enfrentadas de amores y odios, a menudo difíciles de argumentar objetivamente, y que si alguna vez llega a significar algo en la historia del cine es gracias a su apasionada base de fans. Aunque muchas veces se une al cine fantástico, precisamente por ser uno de los mundillos menos prestigiosos y con más entregados seguidores, mi visión es bastante más amplia. Cualquier muestra de originalidad y amor por lo que se hace puede servir. Y, sobre todo, la prueba de que algo puede ser llamado peli de culto no es que le pongan el cartelito de que lo es en la FNAC; sino que hables con alguien que también lo piensa y te diga: "sé a lo que te refieres".

Y aunque muchos crean que estamos en una época de decadencia cinematográfica, de poca originalidad... nada más lejos. En cualquier otro momento de la historia se ha dicho lo mismo, y el tiempo siempre les ha ido quitando la razón a los que lo pensaban, mostrando otro ramillete de clásicos, infraclásicos, perversidades y marcianadas. Como por ejemplo las que llevamos desde el año 2000:
(selección muy parcial, pero de eso se trata)

Los Ángeles de Charlie 2: Al Límite (Charlie's Angels: Full Throttle - USA, McG, 2003)
Una lamentable y genial sucesión de videoclips sin conexión argumental, a cual más hortera y excesivo. Y, también, un chute de adrenalina, de poca vergüenza, de fantasías eróticas y de referencias pop.


Bubba Ho-Tep (USA, Don Coscarelli, 2002)
"Oh, no. Una peli de Elvis anciano luchando contra una momia. Maldita sea la Troma". Eso se puede pensar, y eso desmiente Coscarelli, convirtiendo una anécdota que serviría como excusa para cualquier producción Z sin gracia en un entrañable retrato de la tercera edad, que emociona y sorprende. Bizarrismo con mucho corazón.


El Calentito (España, Chus Gutiérrez, 2005)
Espíritu ochentero y punk para un musical hecho con ganas, que transmite afán de aprovechar cada momento y de conciencia democrática. Grandes canciones, pocas pretensiones y mucha autenticidad y libertad. Yo la vi solo en el cine y, al salir, me compré una botella de sake y, inspirado por la peli, tuve una de las mejores noches fiesteras de mi vida.


Cecil B. Demente (Cecil B. DeMented - USA, John Waters, 2000)
Injustamente valorada por los fans de Waters de toda la vida, que lo acusan una vez más de vendido, es un esquizofrénico y apasionado alegato sobre el amor al cine, tan bueno como "Ed Wood" y mucho más vivo. Divertidísima y salvaje. Tiene además las mejores frases de la década, un puñado de gloriosas consignas terroristas: "Death to mainstream cinema!"


Demonlover (Francia, Olivier Assayas, 2002)
Con un argumento similar al de "Videodrome" (unos ejecutivos que compran hentai extremo), Assayas construye una peli fría como ella sola, intelectual y radical en su forma de no ayudar al espectador. Un thriller de espionaje industrial, tan difícil como fascinante, para reflexionar sobre la deshumanización y el significado de la imagen. Nihilismo postmoderno con banda sonora de Sonic Youth.


Extrañas Coincidencias (I Heart Huckabees - USA, David O. Russell, 2004)
A medio camino entre la tomadura de pelo y la genialidad existencialista, una monumental ida de olla a costa de un buen presupuesto, que desconcierta, enerva y descubre el significado de la vida, todo a la vez. Y Naomi Watts, de modelo de anuncios a pordiosera menonita, más adorable que nunca. Que ya es ser adorable.


Hannibal (UK, Ridley Scott, 2001)
Llena de exceso operístico y con espíritu de comic, Ridley hizo una peli tan gamberra como seria, una montaña rusa de tragedia clásica aplicada al cine moderno. Sádica, perversa, romántica y brutalmente divertida en su tremendismo.


Hedwig And The Angry Inch (USA, John Cameron Mitchell, 2001)
La historia de un transexual al que le dejaron una pulgadita de carne colgando, contada, en forma de musical, directamente de las entrañas. Se llora, se ríe, se canta y se salta, en una peli originalísima y visceralmente sincera.


Life Aquatic (The Life Aquatic With Steve Zissou - USA, Wes Anderson, 2004)
Wes Anderson es el marciano oficial del cine americano actual. Su estilo es transgresor, genuinamente freak, dramático y divertido. Sabe que las cosas importantes de la vida no hay que tomarlas en serio, y por eso provoca tanta empatía su extravagante forma de contarlas. "Life aquatic" tiene, además, un sentido de la maravilla único, y toca al mismo tiempo la fibra sensible y la vena subversiva.


May (USA, Lucky McKee, 2002)
¿Quién es May? May es una perturbada que me gustaría que fuera mi novia. May no tiene muchos amigos, salvo alguno obsesionado con el cine italiano, alguna que sólo piensa en meterse debajo de sus bragas, o una muñeca que le dice cosas que no siempre quiere oír. Y ella es una romántica, y no quiere admitir que no existe la persona perfecta; así que decide fabricársela. Yo la amo.


(próximamente -mañana- la segunda parte)

STARMAN de John Carpenter

Starman (1984)
Dir.: John Carpenter
USA
elink (inglés)
subtítulos (castellano)

Después de unos inicios muy personales, a comienzos de los 80 John Carpenter empezaba a derivar hacia el cine de encargo; siempre con su estilo y eligiendo lo que quería hacer, pero sin que partieran de él las historias. Eso pasó en "Christine" de Stephen King y en este "Starman"; dos pelis menores en su filmografía, pero con interés. Antes de volver a ver "Starman", recordaba que la tenía grabada de la tele hace años, junto a algún capítulo de la serie que la siguió unos años después. Y vale, es una obra menor de un maestro, lo que equivale a decir que es superior a la mediocridad general del cine comercial.


La historia nos cuenta que en Columbia pasaron de hacer "E.T." porque tenían su propio guión sobre el tema, que con el tiempo se convertiría "Starman". Después de hablar con varios directores, Carpenter fue el elegido, quien además tenía ganas de hacer una, dice textualmente, "comedia romántica". Los primeros 20 minutos son tan buenos como cualquier buen Carpenter, y concentran todo el sentido de la maravilla de la peli; en ese rato, se suceden los hechos casi sin diálogo. La Voyager 2 es enviada al espacio para tratar de contactar con alguna inteligencia extraterrestre, y mira tú que la escuchan unos muy listos y mandan a uno de ellos, en forma de bolita de luz, a la Tierra. La bolita viene en un meteorito, y toma la forma que ve en unas fotos de una casa que hay cerca del cráter: la del marido muerto de una pobre chica. Terreno abierto para la sensiblería, aunque de momento controlado. En esa metamorfosis y en las comunicaciones del ser con su planeta se concentran los mejores FX de la peli (obra de Stan Winston y otros). A partir de ahí, una road-movie para llevar al ET (un histriónico Jeff Bridges que hasta fue nominado al Oscar) a un punto de encuentro, que recorre el país en 3 días, mientras son perseguidos por el gobierno (sin ninguna tensión). Todo es muy previsible y conforme avanza la poco creíble historia de amor, la peli pierde interés y gana en sensiblería, sin llegar nunca al punto cargante o empalagoso que uno podría esperar. Pero no hay por qué aburrirse viendo "Starman": hay comedia de equívocos culturales (yo reconozco que tampoco sé por qué comemos el postre al final), hay algún momento de demostración de poderes alienígenas, y hay sobre todo el clásico pulso narrativo de Carpenter, que se nota que a pesar de todo disfrutó rodando esto. Y también hay una moralina pseudo-humanista a lo Star Trek, pero en reaccionaria y sin encanto. Qué miedo tuvieron que pasar los fans de Carpenter en aquellos momentos pensando, y él mismo así lo declaraba, que se iba a alejar para siempre del cine de bajo presupuesto. Por suerte, "Starman" no deja de ser una excepción de pocas en su carrera, y aun así una excepción digna dentro de sus parámetros de cine hollywoodiense, hecha con cariño.

Otra de HOSTEL

elink (inglés, Unrated DVDRip)
subtítulos (castellano)

Unos yanquis se van con putones y luego les hacen putadones. Todos lo pasamos muy bien primero rodeados de tetas, y después es un mal rollo entre litros de sangre. Cómo sabe, el Eli Roth. Cómo sabe.